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Xevi Solà Serra

Xevi Solà Serra, né en 1969, a étudié les Beaux-Arts à l’Université de Barcelone ; son travail est exposé pour la première fois à Paris après avoir été présenté dans des galeries et foires de nombreux pays (Espagne, Allemagne, Pays-Bas, Norvège, Danemark, Pérou, Brésil, Taïwan…).

Pour cette première exposition de Xevi Solà Serra à Paris, la galerie Tokonoma a choisi des œuvres témoignant de son évolution au cours de ces sept dernières années.

Au-delà de la diversité des thèmes abordés durant cette période, ces œuvres ont en commun une force visuelle qu’elles tiennent de l’utilisation des couleurs complémentaires, des contrastes entre les lignes horizontales et verticales, entre les zones les plus travaillées et celles traitées de manière plus relâchée… Revendiquant sa proximité avec le Pop Art, Xevi Solà Serra multiplie les citations d’icônes de l’art moderne (Van Gogh, Matisse, Yayoi Kusama…) ou de personnages de bandes dessinées, identifiables par tous, rejetant ainsi tout élitisme. Ces moyens picturaux, aussi divers soient-ils, tendent tous à explorer la partie la plus sombre de la conscience, pré-humaine, animale et amorale, et transmettent un message subtilement dérangeant.

La figure féminine est centrale. Souvent représentée nue au milieu de figures masculines vêtues, sombres et inquiétantes, il ne s’en dégage pour autant aucune sensualité. Ici la femme, mince et éthérée, sourit mélancoliquement et étrangement, indifférente à la menace sourde du monde, d’un sourire incompréhensible semblable à celui des visages des martyrs dans l’iconographie médiévale.

« wife », huile sur toile, 97x146cm

Deux autres éléments sont également récurrents dans les tableaux de Xevi Solà Serra : les maisons néo victoriennes des banlieues américaines et les animaux. Les maisons, personnages à part entière comme celles de « la chute de la maison Usher » ou de « Psycho », témoins silencieux, font peser de leurs larges fenêtres en surplomb de la scène, derrière lesquelles on ne sait qui peut se cacher, une sourde menace. Les animaux eux (canard, éléphant, requin, poisson, cheval, etc.), dont la présence initialement ne se justifiait que par des raisons formelles, sont aujourd’hui largement utilisés comme des métaphores sexuelles permettant à l’artiste d’éviter la censure de plus en plus lourde et prégnante des réseaux sociaux dont il a fait un outil de communication et de diffusion majeur.

Dans les œuvres issues des séries « jungles » et « motels », apparaissent, protégés par l’élégance tapageuse de leurs costumes ou l’anonymat des chambres de motels, des « dandys » ou des personnages troubles, perdus dans leurs jungles intérieures, hors de portée du monde trivial et des gens du commun.

Enfin, tout récemment, toujours en se servant de sa palette de couleurs primaires lumineuses et saturées, Xevi Solà Serra a commencé d’explorer le thème du paysage.

Chloé POIZAT

Le travail de Chloé POIZAT est le fruit d’une libre réflexion sur les conséquences de notre entrée dans l’ère de l’anthropocène et sur les risques de la sixième extinction de masse (extinction végétale, animale et humaine) qui pourraient en résulter.

Mais ce n’est pas un travail militant.

En effet, ce que nous donne à voir Chloé POIZAT, nourrie de littérature, de cinéma (de genre…), de photographie et s’inspirant, parmi d’autres, des pratiques créatrices spontanées, de l’écriture et du dessin automatique, des pratiques spirites, des arts populaires, du vaudou et des danses rituelles, c’est, un monde certes étrange, modifié et dévasté, mais transfiguré par l’imaginaire d’une vision fantaisiste.

Utilisant divers medium (peinture, collage, dessin, volume, son…) qui, assemblés, forment comme un langage primitif fictionnel, Chloé POIZAT nous dépeint une nature joyeusement apocalyptique qui ne serait plus que vestiges, totems, miettes, dans laquelle il ne subsisterait des humains que quelques traces et fragments et où n’erreraient que de rares animaux, corbeaux, chouettes chiens ou loups.

Il s’en dégage un sentiment d’inquiétante étrangeté, vaguement effrayante, mais largement teintée d’humour.

Cette disparition des êtres, des choses et des lieux, cette attention aux choses imperceptibles, l’idée de passage d’un état à un autre, de ce qui persiste ou non, l’illusion et la métamorphose, sont ainsi les thèmes fondateurs du travail de Chloé POIZAT.

Fabien Granet

Fabien GRANET

Comme un gris qui traîne sur la mer affaissée…

Poursuivant ses recherches précédentes, Fabien Granet présente ses dessins récents dans lesquels des fragments de paysages, tout en restant accrochés au quadrillage premier, émergent du blanc de la page, parfois en lambeaux, parfois en points de vue multipliés, faisant penser à un univers dont la création ne serait pas exempte d’hésitations, d’essais, de repentirs.

 

 

 

Dans certains dessins, ces fragments de paysages s’articulent avec d’étranges constructions architecturales, des volumes géométriques… comme si l’oeil de l’artiste, par delà le sensible, avait dégagé des bords de mer, des rochers, des plages ainsi « mis en paysage » l’essence de ces lieux, rappelant que le dessin est aussi « chose mentale ».

Brann Renaud

Comme on ouvre une vieille malle ou comme un souvenir remonte, comme de l’imprévu vous visite oucomme un conte vous entraîne, Brann peint. Il ne décide pas vraiment ce qu’il peint. Il l’attend, il l’appelle, il le trouve, il en est surpris, il l’écoute, il le suit, se laissant guider par ce qu’il peint, au fur et à mesure qu’il le peint. On pourrait penser le contraire au premier abord, tant on croit pouvoir aisément reconnaître ce que le tableau représente. Mais le tableau, en réalité, ne se laisse pas faire. Il entend être vu comme il a été peint : comme une lettre inconnue qu’on déchiffre, une mémoire oubliée qu’on retrouve, un horizon nouveau qui s’ouvre, un « il était une fois » qui commence…

Il y a toujours, dans le tableau, deux ou trois détails, pareils à des fausses marches, pour faire trébucher le regard trop sûr de lui, pour l’inviter à suivre ce qui se donne à voir au lieu de s’imaginer l’avoir vu. Aucune recherche de l’énigme ou du fantastique, en tout cela, aucune quête d’un quelconque au-delà du réel. C’est bien dans le monde que nous habitons que nous sommes. Mais un monde qui cesse justement d’être représenté, affublé de tout ce qu’on pense savoir de lui, qui est rendu à sa pleine présence, en ce qu’elle a de singulier, à sa propre parole, en ce qu’elle a à nous apprendre.

Et pour lui rendre cette présence, il faut nécessairement que le peintre soit présent à lui-même ; pour lui rendre cette parole, il faut nécessairement que la peinture parle. Si Brann ne décide pas ce qu’il peint, il a bien le souci, en revanche, de le peindre avec force et minutie, avec art. Un art qui ne vise pas à embellir ou travestir les choses, mais à leur répondre, à s’élever à l’unisson de leur singularité et de leur éloquence. Moment d’équilibre toujours à refonder, moment funambule, où le monde et l’artiste, cessant d’être dits, l’un et l’autre et ensemble se disent…

R.R

Biographie de Brann Renaud

Né en 1977

 

2004 – Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris (Ateliers F.Boisrond, J.M.Albérola, P.Andrea) . DNSAP.

2003 – résidence à «La Source» (Association de G.Garouste pour le développement de l’art en milieu rural)

Lauréat «Prix Antoine Marin» 2007 – Arcueil

EXPOSITIONS PERSONNELLES

Septembre 2016 « la ligne conte » Newsquare gallery ( Lille )

Fevrier 2015- « Carambolages ll » galerie quai-est proposée par jean michel marchais ( Ivry/seine )

Janvier 2014 « vrac-ame » galerie Elizabeth Couturier ( Lyon )

Juin 2012 – Galerie « le garage » ( Nantes )

Decembre 2011- brann renaud, galerie Elizabeth Couturier ( Lyon )

Mars 2011 – “Les nuits du chasseur” Trafic Galerie (Paris)

Janvier 2010 – “Sans titre n°1” Trafic Galerie (Paris)

Mai 2009 – “Ceci n’est pas un Pablo” Rien galerie (Aix-en-Provence)

Mai 2007 – Galerie du crous des beaux arts (Paris)

Janvier 2006 – Galerie moderne Silkeborg (Danemark)

EXPOSITIONS COLLECTIVES

Octobre 2015- Centre d’art contemporain « à cent metres du centre du monde » ( Perpignan )

Sept 2015- Galerie Elizabeth Couturier ( Lyon )

Mars 2014 – « Tout va bien 3 » galerie quai-est ( Ivry sur seine )

Mars 2013 – ART PARIS , galerie Da-end ( Paris )

Juin 2012 – Marilyn 50 ans deja Mazel Galerie ( Bruxelles )

Mai 2012 – « carte blanche » Galerie IUFM Confluence(s) ( Lyon )

Février 2011 – Collective Trafic Galerie (Paris)

Octobre 2010 – “Chic Art Fair” Trafic Galerie (Paris)

Octobre 2009 – Slick 2009 Trafic Galerie (Paris)

Juin 2009 – “Liberté j’écris ton nom” Trafic Galerie (Paris)

Octobre 2008 – “Tout va bien 2” Trafic Galerie (Paris)

Juillet 2008 – “Figuration de l’imaginaire” Centre d’art contemporain (Mont de Marsan)

Juin 2008 – “Figuration del imaginario” Galeria Victor Saavedra (Barcelone – Espagne)

Mai 2007 – Pulchri studio (La Haye – Pays-bas)

Nov 2006 – «Parcours d’artistes» artiste invité (Pontault-Combault)

Juin 2006 – Centre d’art contemporain Aponia «Figuration narrative / Histoire de voir»

Avril 2006 – Thanassis Frissiras gallery «L’atelier de Pat Andrea» (Athènes – Grèce)

Mai 2005 – 50ème salon d’art contemporain de la ville de Montrouge

Octobre 2004 – «Jeune création» ville de Pontault-Combault

Mai 2004 – 49ème Salon d’art contemporain de la ville de Montrouge

Nov 2003 – «Novembre à Vitry»

Mai 2003 – «les beaux Arts empruntent le métro» ligne 14, station Madelène

Avril 2003 – «Painting in progress» ( Maison des Arts de Créteil )

Janvier 2003 – «Soldissimes» – Galeries Lafayettes

BIBLIO – PRESSE

CATALOGUES: ENSBA diplômés 2004, Montrouge 2004 et 2005, “l’atelier de Pat Andrea” – Thanassis

Frissiras gallery 2006 – “Brann Renaud” (galerie moderne) 2006 – “Het nieuwe verhaal” (Galeria Victor Saavedra) 2008 – “Les nuits du chasseur” Trafic Galerie 2011

PRESSE : ARTENSION n°100, avril 2010 – EXPORAMA n°9, uin 2008 – AZART n°35 novembre/décembre 2008 et divers articles sur le web

Yves HELBERT

D‘une recherche de quelques mots pris au hasard et lancés dans ce puits sans fond qu’est Internet surgit une infinité d’images inattendues, d’une boîte oubliée dans un grenier s’échappent de vieilles photos de visages sur lesquels on ne sait plus mettre de nom depuis longtemps, de vieilles revues feuilletées négligemment montrent des objets dont on ne connaît plus l’utilité ou des inventions délirantes restées sans suite…: ce sont de toutes ces images, ces photos qu’Yves Helbert s’inspire pour ses dessins.

Pendant que l’esprit choisit, organise et assemble, que la main dessine d’un trait sûr et minutieux, le titre naît, subrepticement.

Citons en quelques-uns, inscrits dans le dessin même et pris au hasard : « la rhétorique de l’image », « le déficit commercial », « le jour de gloire », « le sacrifice de la rose », « la preuve par l’image », « la chambre d’amis », « la reproduction des élites », « l’heure de gloire », « les coulisses du pouvoir », « la descente de croix », « le partage des compétences », « l’opération programmée »… Ces titres ne commentent pas les images, les images ne viennent pas illustrer les titres. De fait, titres et dessins sont indissociables et leur juxtaposition crée un trouble analogue à celui ainsi décrit par Roland Barthes dans l’Empire des signes : « une sorte de vacillement visuel, analogue peut-être à cette perte de sens que le Zen appelle un satori ». Si, au premier regard, leur association paraît arbitraire – arbitraire dans lequel Breton voyait la force première de l’image surréaliste -, il est toutefois possible de dégager certains thèmes qui sous-tendent le travail d’Yves Helbert, au-delà de l’humour, toujours présent : l’interrogation sur la nature, la politique, la nostalgie, l’émerveillement devant les objets inutiles

En même temps que les dessins, sont présentés quelques dioramas dans lesquels, notamment, Yves Helbert met en scène, toujours avec humour, l’oeuvre d’art dans l’atelier de l’artiste, ou bien muséifiée, ou bien encore abandonnée…

sacrifice de la rose

Young Hee HONG

Young-Hee HONG:

Young-Hee HONG, plasticienne, est diplômée de l’université de Sung-Shin de Séoul, de l’Ecole supérieure des arts décoratifs de Strasbourg, docteur en Arts plastiques (Université Marc Bloc de Strasbourg). Elle travaille entre Paris et Strasbourg.

Website : http://yhhong.free.fr/

 

« no place to sit », installation

Tours inachevées, échevelées, n’ayant jamais eu l’ambition de toucher un ciel que de toute façon l’on pressent vide. Tours de fer en fil suspendant, dans un espace dont l’expansion ne suit aucun projet autre que de s’abandonner au geste de l’artiste, quelques points blancs, ou parfois rouges. Babel(s) donc sans projet et sans ambition autre qu’une construction méditative du vide que laissent les liens inaboutis, les instants sans suite perceptible comme en égrainent inlassablement les jours de la vie.

 

« Faire le point », dessin

En les constellant de points de peinture blanche, Young-Hee HONG brouille ces images qui font le quotidien des quotidiens – photos de faits divers, de manifestations, de réunions politiques, de « peoples » …-, images sur lesquelles, au hasard d’une page distraitement tournée, on s’arrête parfois sans trop savoir pourquoi, saisi d’une émotion ou d’un sentiment de l’étrange qu’on ne saurait expliquer. A l’inverse de la peinture aborigène, dont le pointillisme sert à cacher au profane l’image sacrée qu’il recouvre, Young-Hee HONG oriente le regard du spectateur, l’intrigue, le perd, lui fait rechercher le sens de l’image première qu’elle sauve ainsi de sa banalité en faisant naître, au-delà des étoiles ainsi posées en minutieuses gouttes, des univers poétiques arrachés au trivial.

Yuko SOI

 

 

Des poèmes du quotidien dessinés avec ardeur à la pointe acérée de crayons de couleurs qui disent la tristesse et aussi la simplicité de la vie. Aucun artifice dans leur expression minutieuse qui ne révèle que la sobriété du cœur et des sentiments humains. Dans un monde de l’art où tout change vite et fort et qui semble dominé par la recherche conceptuelle, les œuvres de Yuko Soi nous font revenir à un questionnement presque naïf sur ce qu’est l’art.

細く細くとがらせた色鉛筆の先端で描かれる細密な描写によって、無作為に選んだ大小様々な紙に切々と刻まれた日常の詩。生きることはこんなにも切なく、そしてまたシンプルなものなのだと作品は教えてくれます。その繊細な筆致と表現には一切の作為も、ねらいもなく、人間的な感情や純一な心の黙示のみによって描かれています。昨今の変動の激しいアートの世界では、コンセプト付きの新しい発想ばかり求める風潮が目立ちますが、我々は彼女の作品の前でアートってなんだっけ、という素直な気持ちに立ち返るのです。

Sarah Bartélémy-Sibi

http://s-b-s.fr/

« Cumulovaccus »  Mobiles / papier découpé

 

 

13 bis

Depuis 2009, Treize bis, plasticien, colle ses images poétiques sur les murs de son quartier, à la frontière des XIXe et XXe arrondissements de Paris.25e23_56b7

La vitrine qu’est la rue lui a permis de faire de nombreuses rencontres et de réaliser ses premières commandes : ornementations et scénographies pour des événements musicaux et des créateurs de mode, clips, décors muraux extérieurs ou intérieurs de bars et de boutiques… jusqu’à concevoir des compositions sur mesure pour des particuliers.

collage en intérieur

Pour son exposition à la galerie TOKONOMA, Treize bis a plié, sans l’appauvrir, son riche imaginaire au format classique du cadre.

A l’occasion de cette exposition il présente également un échantillon de ses compositions d’intérieur.

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Olivier Renevret

Une certaine absence

Ce que je cherche avant tout dans la pratique de la peinture c’est mon absence. Je ne veux être responsable que de l’évidence de ce que la peinture montre, laissant à elle-même son pouvoir poétique, narratif ou émotionnel.

J’ai choisi pour cela les outils les plus simples de la peinture. C’est le choix du non-choix. Parce qu’ils ont été utilisés par tant d’autres depuis si longtemps ces outils ne peuvent pas m’appartenir. Ils sont intemporels et universels. Ils me permettent de ne rien affirmer.

J’utilise, pour la production de mes œuvres, des procédés simples qui régissent l’application du médium sur la toile. Ces procédés, pensés en amont de la réalisation, m’empêchent d’agir en réaction avec ce que je vois naître sous mes yeux et évitent toute expression personnelle née de l’instant. En revanche ces procédés intègrent systématiquement le geste qui est ici abordé comme « utile » et non esthétisant ; à la manière d’un maçon façonnant un enduit.

Par cette approche de la peinture je me donne une place proche de celle du spectateur dans le sens où je n’ai pas de volonté prédéfinie quant au résultat final mais n’en suis que le témoin. C’est une démarche d’ouverture, d’accueil et d’acceptation. En cherchant mon absence j’invite l’œuvre à se réaliser d’elle-même, à me dépasser.

Hug, 61×38 cm

Ben, 61×38 cm